Dibujo realizado a carboncillo y pastel sobre papel. Sus medidas son: 60 x 46 cm.
miércoles, 12 de diciembre de 2018
martes, 13 de noviembre de 2018
miércoles, 19 de septiembre de 2018
RETRATO DE GOYA CON FONDO ROJO
Esta versión del autorretrato de Goya, perteneciente a la serie de "los Caprichos", tiene la característica de que está invertido (mira hacia la derecha) y la forma es circular.
Está realizado con dos técnicas muy diferentes: Collagraph y serigrafía.
Para hacer el fondo, he utilizado un cartón de cierta dureza al que dí forma de círculo y preparé añadiendo a su superficie cola blanca diluida con agua y, una vez seca, una segunda capa, pero esta vez de pintura sintética.
El dibujo está realizado con la técnica serigráfica. El papel empleado en la edición es Super - Alfa.
Las dimensiones son 28 cm de diámetro (imagen) y 37 x 38 cm. (papel). La edición se compone de 50 ejemplares.
Está a la venta en:
jueves, 26 de julio de 2018
martes, 10 de julio de 2018
La ciudad olvidada. Óleo sobre lienzo.
Esta pintura está realizada en óleo sobre lienzo. Sus medidas son 55 x 46 cm. En realidad es una obra antigua sobre la cual he realizado algunos cambios.
domingo, 3 de junio de 2018
Líneas borrosas del mundo del arte ( Blurred lines inside art world)
El preámbulo del documental nos recuerda la siguiente paradoja: el 15 de septiembre de 2008 cae Lehman Brother y las bolsas se desploman, al día siguiente la casa de subastas Sotheby´s bate record con obras de Damien Hirst.
Glenn Lowry es director del Moma (Nueva York), a la pregunta ¿quién define que constituye el arte contemporáneo? se escabulle y responde que "es una pregunta muy difícil, creo que ya ha nadie le preocupa si algo es una foto, un cuadro, un vídeo o una manifestación digital. Lo que pensamos es ¿tiene sentido?, ¿provoca algún impacto?, y los demás límites que definen claramente si algo era un grabado, un dibujo o una pintura ya son mucho más borrosos".
Pero sigue sin responder quién o quienes definen que constituye el arte contemporáneo. Que el arte contemporáneo esté basado en algo tan subjetivo como que tenga sentido ¿para quien?, o que provoque algún impacto, esto lo hace aún más confuso. Podríamos pensar que una cena con Anibal Lecter donde nos ofreciera un cerebro humano al chilindrón es un acto artístico digno de celebrarse en un museo.
Claro que algo parecido a esto ya se ha hecho, recuerdo la "cocina espiritual" (Spirit Cooking) de Marina Abramovic, donde realiza una performance con leche materna y esperma, "bébela en las noches en que haya terremotos" dice la receta.
En el documental, se muestra la opacidad que hay respecto al funcionamiento de eso que llaman "arte contemporáneo" (que no es más que una definición temporal, todo arte que se realiza en la actualidad, es contemporáneo). Aparecen los integrantes del circuito: artistas, curadores, coleccionistas, galeras y casas de subastas.
Se evidencia que el mercado del arte mueve mucho dinero, cuadros que se venden a precios desorbitados pero, se desconoce cuanto pagó el anterior dueño, afirmaciones como "el arte no tiene porqué ser necesariamente bello", a la cual podemos responder que el arte tampoco tiene por que ser feo.
Umberto Eco escribió en "Apocalipticos e integrados" un capítulo entero a la estética kitsch y a la cultura de masas, pero ahora, el kitsch a pasado a las élites, al menos económicas (no por ser más rico se tiene mejor gusto), aparece el pintor más caro y algunos creen que es el mejor, (solo el necio confunde valor y precio), Jeff Koons fascina a algunos millonarios porque solo ellos pueden permitirse tener un adefesio suyo en casa.
Me parece que si costaran 10 dólares la pieza de Jeff Koons, los coleccionistas que son entrevistados, no seguirían diciendo que ven una belleza suprema en esos gigantes globos de colores que forman figuras infantiles.
Está dirigido por Barry Avrich, dejo un enlace del trailer.
jueves, 10 de mayo de 2018
Orina de vaca en la obra de Vermeer “la joven de la perla”
Hace unos días apareció en prensa una noticia que, llamó la
atención de personas que piensan que la pintura al óleo sale del tubo, pero
esto es así solo porque alguien introdujo el producto primero (pigmento molido
mezclado con aceite de linaza).
Los pigmentos se obtienen (en su mayoría) en la actualidad
por procedimientos químicos, pero con anterioridad, se extraían del mundo
mineral, vegetal y animal.
Puede parecer extraño que de la orina de vaca se origine el
pigmento llamado “amarillo indio”, que es un color muy intenso y de gran
belleza, pero para ello, alimentaban a las vacas solamente con hojas de mango,
la orina se secaba al sol y los
residuos terrosos se molían para su venta como pigmento para pintura. Esto ya
no se hace porque las vacas enfermaban y morían. Ya digo que la química moderna
se ha ocupado de suplir gran cantidad de pigmentos cuyo origen pudiera ser
peligroso, como el blanco de plomo, también llamado albayalde. Otros pigmentos como
el azul de ultramar, en origen mineral,
era muy escaso y se importaba de tierras lejanas (Afganistán), de ahí el
nombre, y consecuentemente era carísimo. Yo lo uso mucho en su versión moderna,
es decir, de fabricación sintética, y es que la química hace milagros.
El carmín es otro pigmento que se extraía del mundo animal,
concretamente de las cochinillas, un parásito que triturado y secado daba lugar
a un pigmento muy apreciado en Europa, ya que provenía de América.
Aunque nos parezca extraño el origen de los pigmentos
destinados a la pintura, no es para tanto, sobre todo si pensamos en los
pigmentos que se emplean para el maquillaje, los colorantes que se usan en la alimentación
o incluso la procedencia de ciertos perfumes...
jueves, 3 de mayo de 2018
Naturaleza muerta con vela amarilla
Naturaleza muerta con vela amarilla. Fernando Puente.
En principio, esta naturaleza muerta estaba situada sobre una mesa que, fui modificando hasta su forma actual. Está realizada en óleo sobre lienzo. Su tamaño es 61 x 50 cm.
miércoles, 25 de abril de 2018
jueves, 19 de abril de 2018
sábado, 7 de abril de 2018
Dibujo a carboncillo y sanguina. Mujer tumbada
Esta figura femenina está realizada a carboncillo y sanguina. El tamaño del papel es 50 x 70 cm.
Durante el proceso he tomado fotos que me han servido para realizar un breve vídeo.
martes, 20 de marzo de 2018
LAS PRIMERAS GALERÍAS DE ARTE. PAUL DURAND-RUEL
Paul Durand-Ruel (París 1831 - 1922), heredó de su padre el negocio familiar, una papelería que vendía también artículos para pintores. Amplió el negocio y expuso en su espacio a los pintores de "La Escuela de Barbizón", esos pintores realistas franceses que se reunían en torno al pueblo de Barbizón, (sus miembros fundadores fueron Théodore Rousseau, Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet y Charles-François Daubigny. )
Como Paul Durand-Ruel tuvo éxito con la venta de las pinturas se trasladó a una calle con más tránsito, la Rue Laffitte, y creó en 1869, la "revue internationale de l'art et de la curiosité" (revista internacional de arte y curiosidad), para promocionar a sus pintores.
Con un grupo de pintores muy interesante, un local en una buena calle y una revista para la difusión, parecía que todo estaba bien encauzado, sin embargo ocurrió que en 1870 y -también es mala suerte- estalló la Guerra franco-prusiana. Huyendo del conflicto fue a Londres, donde coincidió con bastantes artistas franceses, entre ellos Claude Monet y Pissarro.
Ese mismo año fue cuando abrió su nueva galería en Londres con la primera muestra anual de la Sociedad de Artistas Franceses. De vuelta a París en 1871, ya seducido por el impresionismo, establece relación con Sisley, Degas, Manet y Renoir. Pero el impresionismo en aquellos años era de difícil venta, a pesar de tener galería en Paris y filiales en Londres y Bruselas, se tuvo que asociar con un banquero para comprar pinturas y mantener la fidelidad de su grupo de pintores. Como las desgracias nunca vienen solas, aquel socio capitalista se arruina. Duran-Ruel se vio obligado a alquilar su piso y parte de la galería. Cercado por las deudas y abatido, recibió una invitación de la American Art Association para exponer en la Madisson Square de Nueva York, donde se le reconoció su labor como marchante del impresionismo.
Las ventas en EEUU le permitieron recuperarse y, como pasa en tantas ocasiones, ser reconocido también en su país.
A Duran-Ruel se le considera el marchante del impresionismo, y es que se implicó tanto, que compraba los cuadros a sus pintores, ( a Manet le pagó por 23 cuadros 35.000 francos, etc.) fundó revistas y editó catálogos como medio de difusión y promoción. Un hecho no menos importante es que abrió sucursales de su galería en varios países, no solo europeos, después de su experiencia americana, abrió galería en Nueva York.
Como Paul Durand-Ruel tuvo éxito con la venta de las pinturas se trasladó a una calle con más tránsito, la Rue Laffitte, y creó en 1869, la "revue internationale de l'art et de la curiosité" (revista internacional de arte y curiosidad), para promocionar a sus pintores.
Con un grupo de pintores muy interesante, un local en una buena calle y una revista para la difusión, parecía que todo estaba bien encauzado, sin embargo ocurrió que en 1870 y -también es mala suerte- estalló la Guerra franco-prusiana. Huyendo del conflicto fue a Londres, donde coincidió con bastantes artistas franceses, entre ellos Claude Monet y Pissarro.
Ese mismo año fue cuando abrió su nueva galería en Londres con la primera muestra anual de la Sociedad de Artistas Franceses. De vuelta a París en 1871, ya seducido por el impresionismo, establece relación con Sisley, Degas, Manet y Renoir. Pero el impresionismo en aquellos años era de difícil venta, a pesar de tener galería en Paris y filiales en Londres y Bruselas, se tuvo que asociar con un banquero para comprar pinturas y mantener la fidelidad de su grupo de pintores. Como las desgracias nunca vienen solas, aquel socio capitalista se arruina. Duran-Ruel se vio obligado a alquilar su piso y parte de la galería. Cercado por las deudas y abatido, recibió una invitación de la American Art Association para exponer en la Madisson Square de Nueva York, donde se le reconoció su labor como marchante del impresionismo.
Las ventas en EEUU le permitieron recuperarse y, como pasa en tantas ocasiones, ser reconocido también en su país.
A Duran-Ruel se le considera el marchante del impresionismo, y es que se implicó tanto, que compraba los cuadros a sus pintores, ( a Manet le pagó por 23 cuadros 35.000 francos, etc.) fundó revistas y editó catálogos como medio de difusión y promoción. Un hecho no menos importante es que abrió sucursales de su galería en varios países, no solo europeos, después de su experiencia americana, abrió galería en Nueva York.
Fernando Puente. Naturaleza Muerta junto al mar. 46 x 65 cm.
lunes, 12 de marzo de 2018
ESTUDIO PARA UNA PINTURA
Fernando Puente, dibujo
Algunos dibujos son una obra definitiva, este no es el caso, forma parte del proceso para realizar una pintura.
Sirve de apoyo a la memoria para que una idea no se pierda. el proceso normal es que cuando seleccione el lienzo haga correcciones dependiendo del tamaño y de nuevos cambios de opinión que, sin duda aparecerán.
El papel mide 50 x 70 cm y he utilizado lápiz, carboncillo y pastel.
sábado, 3 de marzo de 2018
INTERIORISMO Y ARTE
A veces tendemos a pensar que el arte está en los museos y eso es cierto, pero solo parcialmente. El destino del objeto artístico es convivir con el ser humano.
Por otra parte, existe un divorcio entre el arte oficial, que es subvencionado y promovido por las instituciones públicas y la aceptación común de la gente.
El argumento es el siguiente: el público en general no está preparado para un arte tan selecto y de un poso intelectual tan grande, que es necesario educarlo. Teniendo en cuenta que el arte tiene un recorrido mayor que la civilización, (aún tengo los manuales de arte prehistórico que usé cuando estudié la carrera de historia) y siempre ha sido asumido por la sociedad de la cual emanaba, no comprendo como hay sectores en el mundo artístico que pretenden adoctrinar a la población para que acepte un arte que le repele.
En una conferencia muy divertida, Félix de Azúa contaba con cierto asombro, como una raspa de sardina que pende de un hilo en una galería de arte es una obra artística que tiene un valor, y cómo la misma raspa tumbada en el suelo de la calle, no es más que basura.
Por otra parte, existe un divorcio entre el arte oficial, que es subvencionado y promovido por las instituciones públicas y la aceptación común de la gente.
El argumento es el siguiente: el público en general no está preparado para un arte tan selecto y de un poso intelectual tan grande, que es necesario educarlo. Teniendo en cuenta que el arte tiene un recorrido mayor que la civilización, (aún tengo los manuales de arte prehistórico que usé cuando estudié la carrera de historia) y siempre ha sido asumido por la sociedad de la cual emanaba, no comprendo como hay sectores en el mundo artístico que pretenden adoctrinar a la población para que acepte un arte que le repele.
En una conferencia muy divertida, Félix de Azúa contaba con cierto asombro, como una raspa de sardina que pende de un hilo en una galería de arte es una obra artística que tiene un valor, y cómo la misma raspa tumbada en el suelo de la calle, no es más que basura.
Hace poco terminó ARCO y escuché pocos comentarios en los medios sobre arte sino sobre otros asuntos tangenciales que no vienen al caso.
Me gustan los objetos artísticos (pintura, grabado, escultura...) con los que se puede convivir y ser observado a diario, sin que cause ninguna turbación en el espectador. Que facilite la construcción de un espacio que sea un hogar.
viernes, 2 de marzo de 2018
1 grabado - 1 euro
Para promocionar mi tienda virtual he puesto a la venta 4 ejemplares de la xilografía (grabado realizado en plancha de madera) "los caminos cotidianos" a 1 euro cada uno.
Si aún no te has relacionado con el mundo de la obra gráfica, puedes aprovechar esta ocasión para hacerlo.
El grabado está estampado en papel hecho a mano, recomiendo que cuando lo enmarques queden visibles las barbas del papel, mostrando su perímetro irregular.
Sus medidas son 24 x 27 cm. Aproximadamente.
Este es el enlace:
https://ventaobragrafica.com
Si aún no te has relacionado con el mundo de la obra gráfica, puedes aprovechar esta ocasión para hacerlo.
El grabado está estampado en papel hecho a mano, recomiendo que cuando lo enmarques queden visibles las barbas del papel, mostrando su perímetro irregular.
Sus medidas son 24 x 27 cm. Aproximadamente.
Este es el enlace:
https://ventaobragrafica.com
domingo, 11 de febrero de 2018
sábado, 3 de febrero de 2018
LOS CAMINOS COTIDIANOS
He realizado un grabado a la xilografía (grabado en plancha de madera) y para su estampación he usado papel hecho a mano.
Lo he titulado "los caminos cotidianos" porque los pinos forman parte de un parque muy transitado que, además visito a menudo.
Considero que la belleza de los materiales y herramientas del grabado, ya sea en madera o en cualquier material, merece la pena que esté unida al resultado final. Por eso incluyo una foto de la plancha de madera.
Las dimensiones del papel son 31 x 25 aproximadamente (las caras son irregulares).
Aún me falta numerar la edición y firmarla.
miércoles, 24 de enero de 2018
lunes, 15 de enero de 2018
miércoles, 10 de enero de 2018
PAISAJE INDUSTRIAL
Se trata de una vista de un polígono industrial, está realizado en óleo sobre lienzo. Su tamaño es 46 x 55 cm.
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