domingo, 19 de diciembre de 2010

RUBENS EN EL MUSEO DEL PRADO

                                                       Lucha de San Jorge y el dragón

Confieso que el montaje de la exposición me ha resultado algo agobiante, creo que eran necesarias dos salas más para exponer esa cantidad de pinturas. Seguramente se deba a falta de espacio.
Pero Rubens, el pintor de los héroes, titanes y dioses, siempre me resulta interesante. No era consciente de la cantidad de obra de Rubens que posee el Prado, hasta que he visto esta exposición. Aunque gran cantidad de sus cuadros siempre están expuestos, algunos como el retrato de Tomás Moro, no recuerdo haberlo visto. Es una copia del retrato que Hans Holbein el joven realizó del humanista inglés. Creo que quien quiera disfrutar de la  PINTURA ( con mayúsculas) no debería perderse esta exposición. Rubens tiene mala prensa porque muchos de sus cuadros los hacía en colaboración con su taller, pero resulta que sus alumnos eran excelentes pintores, entre ellos se encontraba Van Dyck.


                                                 Aquiles descubierto por Ulises y Diomedes
                                                                       Rubens y taller.


 En el siglo XVII muchos pintores se ayudaban de los alumnos que tenían en el taller, era el funcionamiento del sistema de gremios. El aspirante a  pintor pasaba al taller de un maestro para aprender todos los secretos de la pintura. En principio se dedicaban a preparar los colores, cosa que es más interesante de lo que parece, por que conocían la paleta del maestro, los aceites y barnices utilizados. Sabemos del uso de la trementina de Venecia en su pintura, de sus imprimaciones grises y de su preferencia a pintar sobre tabla cuando se trataba de pequeño formato. Más tarde, cuando el alumno estaba formado, ayudaba al maestro a cumplir con sus encargos. Rubens fue un pintor con una gran visión comercial y atendió muchos encargos gracias a la perfecta organización del taller. Otros grandes pintores, como por ejemplo Zurbarán, también realizaron parte de sus encargos ayudados por su taller.
Normalmente se distingue entre una obra de taller y una donde solo han colaborado en una pequeña parte y una pintura realizada enteramente por mano de Rubens, como por ejemplo los bocetos para la decoración de la Torre de la Parada, aquí tenemos el de  Prometeo.



Estos bocetos están realizados sobre tablas de pequeño formato, con una pintura suelta y transparente, donde podemos ver las bandas verticales de la imprimación.
El Museo del Prado ha realizado algunos vídeos sobre la exposición.








Es una pena no ver dibujos en la exposición, porque Rubens era un dibujante excepcional que siempre estaba en disposición de aprender. Cuando estuvo en España, no perdió ocasión para copiar los cuadros de Tiziano que se hallaban en la colección real. Como Adán y Eva, o el rapto de Europa.

El rapto de Europa



Nos encontraremos con cuadros de gran potencia, como Orfeo y Eurídice.
Orfeo, al morir Eurídice, descendió al Hades, y tocando la lira, engatusó a Plutón y Proserpina, logrando que estos le devolvieran a su amada a condición de que no se volviera para mirarla. Orfeo fue incapaz de contenerse y al volver la cabeza, Eurídice se desvaneció.

Orfeo y Eurídice


Expresar la condición humana a través de los mitos es un recurso utilizado en mayor o menor medida a lo largo de los siglos. Creo que en la actualidad continua siendo igual de válido ( yo lo hago ), una forma de plasmar todo lo que acontece al ser humano en un mundo intemporal, repleto de hombres, mujeres, dioses y héroes.

el juicio de Paris


Rubens era un pintor metódico, con gran capacidad de trabajo, se levantaba al amanecer y permanecía doce horas seguidas en el taller.
Paradigma del pintor barroco, rechazaba la armonía de la composición clásica ( que yo tanto admiro), pero la valoraba. No comparte la técnica de Caravaggio, pero se sentía atraído por su pintura hasta el punto de insistir al duque de Mantua para que adquiriese la “Muerte de la Virgen”, que había sido rechazada por su crudo realismo.
Su ansia de saber le impulsó a vivir en Italia ocho años, copiando y estudiando la pintura italiana, tanto a los coetáneos como a los pintores anteriores, aprendiendo de la obra de Ticiano y Miguel Ángel, entre otros.
Se italianizó tanto que prefería la lengua italiana para escribir sus cartas. Su conocimiento de idiomas y su don de gentes, impulsaron su labor diplomática al servicio de la monarquía española, que comienza a finales de 1626 y termina en Abril de 1630, más de tres años de entrevistas con los máximos exponentes de la política europea.
Muere el 30 de mayo de 1640. Felipe IV, que era admirador y coleccionista de su pintura, compra a los herederos obras de la propia colección del pintor, entre ellas “Las tres Gracias”. El Museo del Prado conserva la mayor colección de pinturas de Rubens, en torno a noventa.
La exposición termina el 23 de enero

viernes, 10 de diciembre de 2010

JETHRO TULL, EL FISIÓCRATA Y LA BANDA

La Fisiocracia es una escuela de pensamiento económico del siglo XVIII que atribuía a la agricultura el origen de la riqueza. Surge como reacción al intervencionismo estatal de las ideas mercantilistas. Colbert, ministro de Luís XIV fue el principal impulsor del mercantilismo en Francia.
Durante el siglo XVIII, el interés por la agricultura aumentó por el pensamiento fisiócrata y por multitud de escritos que abordaron problemas agrícolas. Algunos de estos escritos alcanzaron amplia difusión por toda Europa como “ The new hourse-ploughing husbandry” ( La nueva labranza por medio de la tracción equina ), cuyo autor Jethro Tull, era un noble inglés, jurista y también agricultor. 
En general, estos trabajos teóricos se centraban más en los problemas técnicos que en los estructurales, que son los que al final impedirían aplicar las soluciones técnicas.
Nació en 1672 y falleció en 1741.
Algo más de doscientos años pasaron desde la muerte de Jethro tull para que, en  1968 unos jóvenes músicos britanicos, dieran su nombre al grupo.
 Con influencias musicales de Blues empezaron a ganarse un reducido público en los pub del sur de Inglaterra. Ese mismo año grabaron su primer disco This Was, que tuvo poco éxito.
En 1969 grabaron su segundo disco, Stand Up que llegó a primer puesto de ventas en el Reino Unido. Ian Anderson es el autor de todas las piezas del disco menos una, Bouree de la "Suite en mi menor para laud" BWV 996 de  Bach, que versionó con claras influencias de Jazz.

En realidad el sonido era más complejo, además de Blues y Jazz, sonaban toques de Folk. En el año 1970 año 1970 aparecería Benefit. Mientras nuevos músicos se incorporaban, otros se incorporaban a otras bandas. Esta movilidad fue una constante. Solo Ian Anderson, el autor de casi todas las canciones, a pertenecido al grupo durante toda su historia, además de Martin Barre, ( guitarra ) que se incrorporó en Jethro tull desde la publicación del segundo disco hasta la actualidad.
El gran éxito le vino al grupo con la publicación de Acualung , en él hay canciones acústicas, como  Wond ´rin Aloud”, donde el motivo es la cotidianeidad de la vida y otras de rock clásico como “Locomotive Breath”

Llevan desde su formación, en el año 1968 en actividad, grabando discos ( llevan más de treinta ) y actuando en directo.
La genialidad de Ian Anderson, quien aglutina el grupo y quien compone las canciones, ha sido mezclar el rock con multitud de influencias, entre ellas el Jazz, el Folk y algunas veces la música juglaresca, incorporando sonidos nuevos para el rock, los que ofrecen la flauta travesera y la mandolina.
Otra caracteristica es la ironia de sus letras, como en "Fat man"

Puede que tenga algo que ver la historia de su homónimo Jethro tull el fisiócrata, para que la banda mire al pasado, como en el album “Living in the Past” o las canciones tengan un poso de sabor folklórico inglés como en “Songs from the Wood”

La página oficial del grupo es esta:  http://www.j-tull.com/
Tambien tienen una emisora de radio en su propia página donde se escuchan sus canciones sin anuncios. Estos músicos no sufren tanto como otros por los derechos de autor. Recomendable.

sábado, 27 de noviembre de 2010

MOSCÓFORO. EL HOMBRE DEL CORDERO


Acabo de firmar y numerar la edición del aguafuerte, “ El hombre del cordero “. El motivo es recurrente en la historia del arte. La edición consta de 25 ejemplares estampados a color. La primera evocación que tuve cuando pensé en realizar este grabado fue el Moscóforo. Esa magnífica escultura, tipo kurós, del periodo arcaico griego.
 Esta pieza escultórica es una ofrenda a la diosa de la sabiduría, Atenea. Dos cosas me llaman la atención del Moscóforo, las formas rotundas y contundentes, común a la escultura arcáica griega, cuando los kurós ( figuras masculinas) y las korai ( figuras femeninas ) se despegan de la influencia egipcia y transitan hacia un naturalismo, que culminará en la época clásica. La segunda cuestión es la simbología sagrada.










La iconografia cristiana en sus primeros años, mira hacia el arte anterior, hacia las formas clásicas paganas, con una nueva mirada transformadora, para adaptarla a la nueva fé. Es el caso del buen pastor de los museos vaticanos. Otra escultura cargada de simbología.

Y como en la historia del arte, la medida del tiempo no es la misma que la del ser humano: “ El arte es largo, la vida breve” , decían los griegos, el motivo vuelve, pero con distintas connotaciones. Como ejemplo basta un paseo por el museo Reina Sofia y contemplar la obra de Picasso, “ El hombre del cordero “.
Desde luego la morfología es diferente, y carece de simbología sagrada, pero el motivo es el mismo.
Creo que el arte no debe desgajarse de sí mismo, como han postulado algunos teóricos desde el siglo pasado, y comenzar de cero, sino desarrollarse a través de todo lo acumulado desde sus inicios, porque en el fondo solo hay un motivo que justifica la expresión artistica, y es el reflejo de la condición humana, y esta sustancialmente no ha cambiado desde los comienzos de la civilización.

lunes, 22 de noviembre de 2010

PASSACAGLIA DELLA VITA

Stefano Landi nació en el año1587 en Roma, su composición más famosa, y una de las óperas más importantes del barroco temprano, Il Sant'Alessio es la primera ópera sobre un tema histórico. También compuso obras sacras, madrigales y motetes. Entre sus obras se encuentra el Passacaglia Della vita, que parece ser que era un tema popular que adaptó. El motivo es muy común en la época barroca, y más en países católicos, debido a las nuevas ideas que marcaron las expresiones artísticas por efecto de la Contrarreforma. Es el recuerdo de la muerte. En la pintura su equivalente serían las Vanitas, aquellos cuadros que nos recuerdan la fugacidad de la vida y que tan bien pintaran Valdés Leal y Antonio de Pereda. Murió en Roma el 28 octubre 1639.
La interpretación corre a cargo de Marco Beasley acompañado del grupo L´Arpeggiata.
El vídeo está muy bien realizado, en un espacio arquitectónico puro y luminoso, tipicamente romano.
Merece la pena verlo


viernes, 12 de noviembre de 2010

TRES AGUAFUERTES

He terminado la edición de tres  aguafuertes.  Los estampé durante el pasado verano y han estado esperando durante un tiempo para que los firmara y numerara. 50 ejemplares he realizado del polideportivo.  Me interesa mucho la huella del ser humano en el paisaje y la arquitectura es idónea para constatar la transformación del paisaje. Se trata de un aguafuerte estampado en tinta negra   
Polideportivo

Sobre  un edificio de Madrid realicé otro grabado, pero  esta vez a color. Está iluminado, es decir, coloreado a mano. He empleado pintura acrílica. La edición la forman 35 ejemplares.  
      
                                        Paisaje urbano   
                                                                                                                                                                        La tercera estampa  es un jinete realizado al aguafuerte y aguatinta, estampado a dos tintas y cortado a sangre, es decir, sin bordes. Creo que en el blog tengo que dedicar algún espacio a la terminología de la obra gráfica. He numerado 30 ejemplares.  
                                                         Jinete 

lunes, 8 de noviembre de 2010

EL CANCIONERO DE PALACIO. Música en el reinado de los Reyes Católicos


En octubre del año 1469, Isabel, heredera del trono de Castilla, contrajo matrimonio con Fernando, hijo y heredero de Juan II de Aragón. Fernando e Isabel heredaron unos reinos hostiles entre sí, tras años de luchas sociales y políticas.
Tendrían que salvar un último escollo: el rey Enrique IV, contrario al matrimónio de su hermana Isabel, con el heredero de Aragón, anuló el Pacto de Guisando, donde declaró heredera a su hermana, para trasmitir su herencia a su hija Juana.
Tras la guerra civil castellana entre partidarios de Isabel y Juana ( apodada La Beltraneja ), unieron las coronas de Castilla y Aragón cuando Fernando sucedió a su padre, en 1479.
Los dominios de los Reyes Católicos ( título que les otorgaría más tarde su protegido de la familia Borgia, el papa Alejandro VI ) contaban con un único gobierno bajo la misma dinastía, aunque no con una administración común.
La guerra con el reino de Granada, que duró diez años, y su incorporación al reino de Castilla, las profundas reformas que llevaron a cabo, que permitieron aumentar el poder de la corona, y una ambiciosa e inteligente política exterior, sentaron las bases de un Estado fuerte y, posteriormente, un Imperio.
Es en este contexto, donde situamos el Cancionero de Palacio (1474 – 1516 ).
Formado por más de cuatrocientas obras de diferentes autores. Destaca el poeta, músico y dramaturgo Juan de la Encina con aproximadamente sesenta obras.
Autor de Hoy comamos y bebamos, que aquí escuchamos en la versión de jordi Savall y Hesperion XX                 
 Oy comamos y bevamos
y cantemos, y holguemos,
que mañana ayunaremos.

Por onra de Sant Antruejo
parémonos oy bien anchos,
embutamos estos panchos,
recalquemos el pellejo:
que costumbre es de concejo
que todos oy nos hartemos,
que mañana ayunaremos.

Onrremos a tan buen santo
porque en hambre nos acorra;
comamos a calca porra,
que mañana ay gran quebranto.
Comamos, bevamos tanto,
hasta que nos rebentemos,
que mañana ayunaremos.

"[Beve, Bras. -Mas tú, Beneyto.
Beva Pedruelo y Lloriente.
-Beve tú primeramente,
quitarnos has desse preyto.
-En bever bien me deleyto,
dacá, dacá, beveremos,
que mañana ayunaremos.]"

Tomemos oy gasajado,
que mañana vien la muerte;
bevamos, comamos huerte,
vámonos carra el ganado.
No perderemos bocado,
que comiendo nos yremos,
y mañana ayunaremos.

Aunque llamado Cancionero de Palacio, estas canciones no se escuchaban solamente en la Corte. Recopilado durante cuarenta y dos años, evidencia cambios en estilo y forma y acoge gran cantidad de temas (histórico-político, caballeresco, amoroso, religioso, etc) así como diversas formas musicales.
A Juan de la Encina tertenece también si habrá en este baldrés. La versión es de Savall y Hesperión XX.
¿Si abrá en este baldrés
mangas para todas tres?

Tres moças d'aquesta villa,
tres moças d'aquesta villa
desollavan una pija,
para mangas a todas tres,

Y faltóles una tira,
y faltóles una tira.
La una a buscalla iva
para mangas a todas tres.

Tres moças d'aqueste barrio,
tres moças d'aqueste barrio,
desollavan un carajo
para mangas a todas tres.

Y faltóles un pedaço,
y faltóles un pedaço.
la una iva a buscallo
para mangas a todas tres.

*baldrés: piel de oveja, curtida y suave


Algunas canciones están escritas en francés, otras en portugués, pero la gran mayoria lo está en castellano como Rodrigo Martinez. Cuyo autor es anónimo
Aquí la tenemos en una magnífica versión de Jordi Savall dirigiendo a Hesperión XX.
Pura energía.
Rodrigo Martínez
a las ánsares, ¡he!
pensando qu'eran vacas,
silvávalas, ¡He!

Rodrigo Martínez,
atán garrido,
los tus ansarinos
liévalos el río
¡ Ahé!
Pensando qu'eran vacas,
silvávalas, ¡he!

Rodrigo Martínez,
atán lozano,
los tus ansarinos
llévalos el vado.
¡ Ahe !
Pensando qu'eran vacas,
silvávalas, ¡He!

viernes, 5 de noviembre de 2010

Sobre la sección áurea y la pintura 2 parte

Los pintores tenemos dos dimensiones ( alto y ancho ) que podemos organizar, según la teoría de la sección áurea, para establecer las cesuras que armonicen la composición en la superficie pictórica.


Una vez que hemos dividido la línea horizontal y vertical por 1,618… tenemos unas cesuras que nos indican un punto áureo en su encuentro. Pero esta composición es elemental. Podemos añadir más segmentos proporcionales si efectuamos más divisiones. Además podemos añadir líneas diagonales.


Componer según este sistema debe ser una ayuda, nunca un lastre que dificulte la creación. No es este el único sistema que se puede emplear para componer una imagen. También podemos optar por dejar que las formas fluyan sin ningún tipo de ordenamiento premeditado, que creo; es lo que ha ocurrido en la mayoría de las manifestaciones pictóricas a partir del Impresionismo. Pero si buscamos un resultado pictórico equilibrado, donde los distintos elementos no se estorben entre ellos, y la vista recorra el cuadro  sin tropiezos, es conveniente buscar un modo de ordenar la superficie en la que vamos a pintar.
En este vídeo se puede ver como he compuesto algunos de mis cuadros, pero no hay que buscar una precisión milimétrica, porque algunas fotos, no ofrecían un rectángulo perfecto.



BIBLIOGRAFIA
El número de oro. Matila C Glyka. Ed Poseidon
Tramas. La geometría secreta de los pintores. Charles Bouleau. Ed Akal Arte y estética.
Geometría sagrada. Robert Lawlor. Ed Debate

Sobre la sección áurea y la pintura

Conocí al pintor Luis García Ochoa en el año 1984, durante unos cursos de arte que organizaba la Fundación Cultural de Castilla-La mancha en Almagro ( Ciudad Real ).
En el año 1994, Luís me invitó a participar en un sugestivo proyecto: formar parte de un grupo de pintores figurativos, en torno al Monasterio de El Escorial. Un edificio singular, cargado de simbología y geometría sagrada.
Nuestro libro de referencia era " El número de oro " de Mattila C Glika.
Utilizábamos una forma de componer el espacio pictórico muy antigua, pero ahora olvidada en la mayoría de los talleres de los pintores.

En el antiguo Egipto, en la época de lluvias, el Nilo se desbordaba, el lodo que arrastraba las aguas enriquecía las tierras. Las mismas tierras que, cuando el río volvía a su cauce había que cultivar. Por lo tanto, volver a trazar las parcelas y zonas agrarias. Tarea a la que se dedicaban los agrimensores egipcios.
El interés por la geometría es muy antiguo, podemos pensar en las alineaciones de menhires, en ciertos monumentos megalíticos como Stonehenge o lo que sucedía en las orillas del río Nilo. También es lejana ya la relación de la geometría y lo sagrado.
Muerto Pitágoras, sus seguidores reconstituidos en Grecia y en Calabria, agrupan a dos géneros de adeptos: los matemáticos y los acusmáticos, estos últimos trasmitían todo el formalismo ritual de la secta.

La teoría pitagórica de la armonía musical, está fundada también en la idea de las proporciones. Sus elementos eran las longitudes de los segmentos de las cuerdas sonoras, inversamente proporcionales al número de vibraciones.
La sección áurea, es la división en dos, de un segmento, según proporciones dadas por el número Phi: 1,6180339…,  es un número algebraico irracional ( infinito ).
Para no hacer farragosas estas explicaciones es mejor ver este vídeo, donde además, se detalla la relación de este número no solo con el arte, sino también con la naturaleza.