domingo, 18 de diciembre de 2011

Furini. Lot y sus hijas.

Francesco Furini.    Lot embriagado por sus hijas




En muchas ocasiones, los pintores que no se consideran de primera fila, nos sorprenden. Como Francesco Furini, del cual (que yo sepa) el Museo del Prado solo tiene una obra, pero sublime: "las hijas de Lot".
Visitando las salas de la Escuela Italiana, estuve un buen rato observando la pintura de Furini, que se encuentra junto a otra excelente obra con carga erótica: " Susana y los viejos" de Guercino.
La morbidez de la carne de las hijas de Lot, es impresionante. La piel blanca de los desnudos sobre el fondo azul oscuro, delimitada por un delicadísimo esfumato es un prodigio de técnica pictórica. La figura del padre, sin embargo, oscurece y pasa a un segundo plano, ofreciendo un aire de misterio al cuadro. Nos encontramos también con detalles como la botella que sostiene una de las hijas, que está resuelta con gran precisión.
Furini tuvo bastante éxito pintando escenas bíblicas que contenían desnudos y como anécdota hay que recordar que eso no le impidió ordenarse sacerdote. Se convirtió en prior de San Anselmo de Mugello en 1633.
 Las hijas de Lot embriagan a su padre para mantener relaciones incestuosas y que este no quedara sin descendencia, después de abandonar Sodoma y ver como su mujer quedaba convertida en estatua de sal.
Otra anécdota jugosa es que Fernando II, gran Duque de Toscana, regaló la pintura a Felipe IV con motivo de la boda con su sobrina Mariana de Austria, el monarca aún no tenía descendencia masculina y el paralelismo con la temática de la obra de Furini es evidente.

viernes, 9 de diciembre de 2011

Estudio para Varón de dolor


Estudio para Varón de dolor, Fernando Puente


Pese a lo que pueda parecer, el motivo de Varón de Dolores es bastante común en la historia del arte occidental. Desde el pintor flamenco del siglo XV, Petrus Christus a las obras de vídeoarte de Bill Viola, en el siglo XXI.

Varon de dolor, Petrus Christus.



 La iconografía se fué diversificando, a veces tiene los brazos cruzados, o recoge su propia sangre en un cáliz. El estudio que presento aquí está realizado sobre tabla a lápiz, sanguina, pastel y pigmentos fijados con acetato de polivinilo. Estaba pensado para una pintura de un tamaño similar, obra que no llegué a realizar.
Muestra la mano derecha y su llaga, al mismo tiempo que tapa con su otra mano la herida del costado. Bill viola concentra toda la atención en el rostro sufriente.

Man of sorrows, Bill Viola.


En 2005 tuve la oportunidad de ver la exposición de Viola "las pasiones" y, quedé gratamente sorprendido porque Bill Viola basaba parte de su trabajo en los arquetipos de la historia del arte, "Anima", "Dolorosa" y en fin, "Man of sorrows", pero en lugar de estar pintados en un lienzo, tenían movimiento y se veían a través de una pantalla de plasma.

sábado, 19 de noviembre de 2011

George Bellows


Dempsey and Firpo 1924


Club Night




En la segunda mitad del siglo pasado se consolidaron expresiones artísticas distintas a la pintura, performances, videoarte, instalaciones, etc. Al mismo tiempo surgieron grandes pintores figurativos, en el blog he dedicado algún espacio a Balthus, Hopper...
A pesar de que en la actualidad, la pintura queda relegada a una representación marginal en los museos y numerosas salas de exposiciones, a contracorriente, seguimos trabajando pintores que, lejos de creer que la pintura figurativa ha muerto o, pasado de moda, pensamos que dibujar es una pulsión que acompaña al ser humano desde el Neolítico.

The Lone Tenement

La representación de la realidad y su transformación por el pensamiento humano, está por encima de conceptos como "antiguo, moderno, arte del presente, o arte casposo".
Hace pocos días leí la noticia de que la National Gallery of Art prepara una exposición retrospectiva de George Bellows para el próximo año, es decir, el 2012.

Blasted Tree and Deserted House

Me alegró la noticia porque me gusta su pintura, y por la ocasión de que se ocupen los médios informativos de pintores que no merecen ser olvidados.
Bellows nació en 1882 y falleció en 1925. Estudió en la New York School of Art (al igual que Hopper) y pronto comenzó a tener éxito con sus pinturas sobre temas urbanos. También realizó numerosos retratos, pero a mí lo que mas me atrae de su obra son sus  pinturas sobre el boxeo, quizá porque es un tema que me sorprende y demuestra que todos los aspectos de la vida humana son susceptibles de ser tratados por el arte.

A Knockout, litografia

Su interés por los temas sociales le llevó a asociarse con un grupo de pintores anarquistas llamados "The Lyrical Left". Estuvo a favor de la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y reflejó los horrores de la guerra en un buen número de litografías.
George Bellows murió de apendicitis a los cuarenta y tres años.
Evening Swell

Después de la National Gallery of Art, la muestra se trasladará a Metropolitan Museum of Art de Nueva York y la Royal Academy of Arts de Londres
De su interés por el retrato nos da buena muestra la pintura "una abuela", pintada en tabla y realizada en 1914 y que podemos disfrutar de ella en el museo Thyssen.
Una abuela

Durante el año 2012 con ocasión de la muestra retrospectiva, seguro que tendremos referencias de este pintor que merece la pena que conozcamos.




martes, 1 de noviembre de 2011

Edward Hopper

Autorretrato.

Hopper fue uno de los pintores que mejor retrató la vida norteamericana del siglo XX, sobre todo, el aislamiento del ser humano frente al progreso y expansión de la gran potencia americana.
Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, una pequeña ciudad del estado de Nueva York a orillas del río Hudson.
Estudió ilustración, primero en la Correspondence School of Ilustrating de Nueva York y más tarde en la New York School of Art, donde permanecería seis años.  Allí conocería a otros futuros pintores, como George Bellows, quien seria famoso por sus pinturas sobre el boxeo.

Habitación junto al mar.

Cuando terminó sus estudios, comenzó sus carrera como ilustrador en la C.C. Phillip & Company, una agencia publicitaria de Nueva York. En 1906 decidió ir a París. No asistió a ninguna escuela. Experimentó de forma autónoma, visitando museos y pintando al aire libre. Por entonces París vivía una intensa actividad cultural. Durante el verano de 1907 viajó por Europa, pero no visitó Italia, no perteneció a ningún círculo artístico ni recibió influencias de los movimientos artísticos del momento, como el fauvismo, cubismo o el futurismo.

Gasolinera

El  regreso a Estados Unidos le produjo una conmoción, la realidad americana le produjo una crisis que provocó la realización de unas pinturas influenciadas por el arte francés.
Su actividad como ilustrador duró hasta 1924, cuando económicamente era posible dedicarse únicamente a pintar.

American Landscape. Aguafuerte


Comenzó a realizar aguafuertes en el año 1915. Realizó casi 70 grabados entre 1915 y 1923 y fue muy exigente con los materiales, apreciaba la blancura del papel “Umbría”, de Italia, y recibía la tinta  negra de Kimber,  Londres, que era del color negro más intenso que encontró.

Night shadows, aguafuerte.

Durante los años en que se dedicó a la ilustración, no dejó de pintar, aunque sus obras fueron rechazadas por los organizadores de todas las exposiciones importantes.
En 1923 una joven pintora, Josephine Verstille Nivison, convenció a Hopper para que presentara algunas acuarelas para una exposición  que se iba a celebrar en el Brooklyn Museum, tras el examen de sus obras por los directores del museo, fueron aceptadas  seis acuarelas para la exposición. Hopper conoció el éxito a los 41 años.

Noctámbulos

Al año siguiente, el Brooklyn Museum le compró un cuadro, el Tejado mansarda, en julio se casó con Josephine Verstille Nivinson  y en noviembre organizó una exposición de acuarelas en Nueva York, vendiendo un buen número de ellas. Hopper abandonó la ilustración para dedicarse completamente a pintar.

The lighthouse at two lights

Siempre sintió cierto dolor hacia este reconocimiento tardío, años más tarde declararía: “El reconocimiento no significa gran cosa, nunca llega cuando lo necesitas”.

Approaching a city.


En 1933 se celebró en el Museum of Modern Art la primera exposición retrospectiva de Hopper.
Desde su muerte, en 1967, el Whitney Museum, al que Josephine legó la colección de pinturas de ambos, ha realizado varias exposiciones retrospectivas.



domingo, 16 de octubre de 2011

COMPRAR OBRA GRÁFICA

Bodegón con manzanilla. Aguafuerte, Fernando Puente


El grabado, al  ser seriado (con un número determinado de estampas que están firmadas y numeradas),  permite al aficionado del arte a adquirir obras a un coste relativamente bajo.


El camino. Xilografía. Fernando Puente

Es interesante que sepamos algo del autor, conocer algo sobre su biografía, exposiciones, etc.
Para ello, Internet nos ofrece una gran ayuda. Además de información sobre los artistas que se dedican a esta expresión artística, podemos incluso adquirir la obra a los propios autores.
Por  esa razón, he incluido en mi página web un apartado de venta online de obra gráfica: http://www.fernandopuente.com/






El bosque, carpeta con tres aguafuertes. Fernando Puente.

jueves, 13 de octubre de 2011

BALTHUS

El estudio de Balthus

Dos aspectos admiro de Balthus, su pintura, que recuperando ideas compositivas y de forma de pintores como Giotto o Piero Della Francesca, sin embargo pertenece a la modernidad. El otro aspecto es su postura ante el mundo, mientras artistas como Picasso destruían la forma, él iba a contracorriente.
Katia leyendo. Balthus


Balthus es el seudónimo de Balthasar Klossovski. Nació en Paris el 29 de febrero de 1908 y murió el 18 de febrero de 2001.
Se confesaba autodidacta. Aprendió a pintar haciendo copias en el Louvre, sobre todo de Poussin, al que consideró su primer maestro. Declaró en cierta ocasión que los pintores del quattrocento (Masolini, Massaccio) le enseñaron todo lo relativo a la composición.
El padre de Balthus  era también pintor e historiador de arte. Por el domicilio de la  familia pasaban pensadores y artistas. En cierta ocasión Bonnard, aconsejándole sobre la preparación de su hijo le sugirió: "sobre todo, no le enviéis a una escuela de pintura".
Su madre, Baladine, también era pintora. Los padres de Balthus se separaron en 1917.  A  partir de 1919 Baladine mantendrá una relación con el poeta Rainer Maria Rilke, que durará hasta la muerte de Rilke, en 1926.
Balthus tuvo como referente a Rilke durante toda su vida.
La montaña. Balthus.

La figura humana, los paisajes y las naturalezas muertas serán sus grandes temas, declaró: "mi pintura se sitúa la la vez en el imaginario y en lo real. Mis personajes, mis paisajes o mis naturalezas muertas se baten por conseguir la ficción, que es su libertad, por desaparecer en el realismo, que es su necesidad".

Gato con espejo III. Balthus

En 1961 es nombrado por André Malraux, director de la Academia de Francia en Roma, cargo que conservó hasta 1977.
Durante el periodo romano conoce a Setsuko Ideta, su segunda mujer, con la que tendrá a su hija Harumi.



Dibujo. Balthus

Su amor por el oficio de pintor pudo resultar anacrónico si lo comparamos con sus coetáneos. En el año 2000, un año  antes de u muerte dejó escrito: “ El estudio es el lugar de trabajo, y también de la fatiga. El lugar del oficio. En mi actividad es esencial. Es allí donde me recojo, como en un lugar de iluminación…  los pigmentos mezclados por Setsuko, el frotar del pincel sobre el lienzo, todo es reabsorbido por el silencio.”

Balthus en el estudio


La partida de cartas. Balthus.

Balthus es uno de mis referentes, a pesar de que la obra que se encuentra de él en España es escasa, cuando voy al Museo Thyssen no dejo de contemplar “la partida de cartas”.












miércoles, 5 de octubre de 2011

MEDARDO ROSSO

Medardo Rosso. Niño enfermo



Cuando visito el Museo Reina Sofía, mis pasos se dirigen a las salas donde se alojan los iniciadores del arte contemporáneo y las primeras vanguardias. Me parece un arte mucho más seductor que el que está de "rabiosa actualidad". Por una parte, la pintura casi ha desaparecido de las manifestaciones artísticas de las últimas décadas, y el modelado ha huido de la expresión escultórica. No es extraño si tenemos en cuenta que los museos no los dirigen artistas, sino teóricos. Es mucho más común encontrar en el patronato de un museo a un  doctor en filosofía que a un pintor.
Pero volviendo a lo que aquí me ocupa, es decir, el trabajo de Medardo  Rosso, la calidez, la expresividad y la emoción que producen sus obras, contrasta con lo que seleccionan los responsables de exposiciones de arte contemporáneo.


Medardo Rosso. Niña riendo.


El italiano Medardo Rosso (1858 - 1928) se situó entre el impresionismo y el simbolismo. Tras instalarse en París, participó en el debate sobre la relación entre Impresionismo y escultura.
Con la obra Ecce puer de 1906 el interés de Medardo no parece dirigirse a representar una imagen transitoria, como a expresar una idea,  una aspiración moral, llegando a una interpretación en clave simbolista.
El Museo Reina Sofia nos ofrece dos obras de Medardo Rosso, de bellísima factura y de un material con el que Medardo se sentía muy cómodo, cera y escayola. Las dos piezas están realizadas con el mismo material, cera sobre escayola.
Existen varias calidades en la cera de modelar, diferenciándose tanto en la dureza, textura como el color. De ahí la diferencia cromática de las dos obras: “niño enfermo” y “niña riendo”.

viernes, 9 de septiembre de 2011

¡Oh, este viejo y roto violín! León Felipe

¡Oh, este viejo y roto violín!, paráfrasis de León Felipe. Aguafuerte.


¡Oh, este viejo y roto violín! Fue el último libro que publicó en vida León Felipe. Este aguafuerte lo realicé tras la lectura del  libro. Por  entonces hacía poco tiempo que compré un violín y el título llamó mi atención.
Un poema me pareció especialmente conmovedor, en él  nos muestra su biografía. Se llama "Escuela".
León Felipe ( 1884 – 1968 ) nació en una familia acomodada. Hijo de un notario, se licenció en farmacia, pero su espíritu bohemio le llevó a pasar penalidades. Estuvo en la cárcel por desfalco.
En Santander abandonó una farmacia propia y se enroló en una compañía teatral ambulante. Fue reconocido, denunciado y condenado por las deudas de su negocio. También estuvo en Guinea Ecuatorial, por entonces colonia española.


“Viajé en la bodega de los barcos;
Les oí contar sus aventuras a los marineros
Y su historia de hambre a los miserables emigrantes.
He dormido muchas noches, años, en el África central,
Allá, en el Golfo de Guinea, en la desembocadura del Muni,
Acordando el latido de mi sangre
Con el golpe seco, monótono y tenaz
Del tambor prehistórico africano
De tribus indomables…”


 En el poema nos evoca sus desoladoras experiencias:


“Vi parir a una mujer
Y vi parir a una gata…
Y parió mejor la gata;
Vi morir a un asno
Y vi morir a un capitán…
Y el asno murió mejor que el capitán”


Su vida como indigente:



“He dormido sobre el estiércol de las cuadras,
En los bancos municipales,
He recostado mi cabeza en la soga de los mendigos,
Y me ha dado limosna –Dios se lo pague-
Una prostituta callejera.
Si recordase  su nombre lo dejaría escrito aquí orgullosamente
En este mismo verso endecasílabo.”


Y sus tentativas de suicidio:


“Otra vez,
Desesperado,
Quise escaparme por la puerta maldita y condenada
Y mi ángel de la guardia me tomó de los hombros
Y me dijo severo: no es hora todavía…”


Su poesía me sigue emocionando igual que en la primera lectura. Solo me queda recomendar sus poemas y despedirme con unos versos del libro “ Ganarás la luz”


“Yo no soy nadie.
Un hombre con un grito de estopa en la garganta
Y una gota de asfalto en la retina.”

lunes, 8 de agosto de 2011

EL DESCENDIMIENTO DE CARAVAGGIO EN EL PRADO. JMJ LA PALABRA HECHA IMAGEN

Es espectacular El Descendimiento, obra de Caravaggio cedida al Prado por los Museos Vaticanos con la ocasión de la Jornada Mundial de la Juventud.
Caravaggio es un pintor clave para comprender la evolución de la pintura barroca y la corriente tenebrista que siguieron pintores como Rivera y Velázquez (en su juventud).
Otros pintores que no seguían una estética vinculada al tenebrismo, como Rubens, sintieron gran admiración por su pintura. Rubens, en su estancia en Italia realizó una copia del Descendimiento.
La pintura está compuesta en diagonal y las figuras están realizadas en un formato mayor del natural. El punto de vista es bajo y da la sensación de ver la escena desde el lugar donde va a ser enterrado Cristo.
En el Museo del Prado no hay más que una obra de Caravaggio, David y Goliat, que está instalada junto a esta inmensa obra que es El Descendimiento. El Prado ha editado un vídeo que es interesante ver.



Para acompañar esta obra, el museo ha propuesto un recorrido sobre Pinturas de Cristo en el Prado. Son  catorce piezas de distintas épocas, tamaños variados y distintas estéticas, desde el barroco excesivo de Rubens con la Adoración de los Reyes Magos, al recogimiento místico de Zurbarán con su Agnus Dei.




La Anunciación. Fra Angelico



El Descendimiento. Roger van der Weyden.


La Última Cena. Juan de Juanes.


El Pantocrator sostenido por cuatro ángeles. Escuela castellana, siglo XII.


Bajada de Cristo al Infierno.Sebastiano del Piombo.


La Adoración de los Reyes Magos. Rubens.


El Buen Pastor. Murillo.


La disputa con los doctores en el Templo. Veronés


El Lavatorio. Tintoretto.


Agnus Dei. Zurbarán.


Cristo Crucificado. Velázquez.


La Trinidad. Ribera.


La Resurección. El Greco.

sábado, 16 de julio de 2011

hacer pintura al óleo

Prepararse uno mismo los colores tiene la ventaja de poder controlar el material con el que trabaja. Desde hace bastante tiempo utilizo colores resinosos al óleo, a veces, sobre una base de acrílico o temple. Pero al elaborar nosotros mismos los colores, podemos elegir entre colores al óleo puros, cuyo único aglutinante es el aceite de linaza, colores resinosos al óleo, a los que además del aceite de linaza, se añade barniz de almáciga o dammar. Yo utilizo estos últimos. En este vídeo amaso los pigmentos con aceite de linaza y añado barniz de dammar, barniz que se realiza disolviendo la resina de dammar en aguarrás. Los barnices resinosos se añaden en una pequeña cantidad, con un máximo de 10% del aglutinante.




Otra variedad son los colores resinosos a la cera. Se realizan mezclando el barniz de resina con cera blanca disuelta en esencia de trementina (aguarrás).
Los pintores hasta la elaboración de la pintura al óleo industrial y su almacenamiento en tubos, elaboraban los colores en el taller. Como esta actividad es un tanto engorrosa, se ocupaban de ello los aprendices, que se iniciaban en las técnicas pictóricas conociendo a la perfección los materiales de la pintura.
En el vídeo indico que añadir barniz de dammar es optativo. Podemos realizar colores al óleo puros, sin más aglutinante que aceite de linaza. Pero solo nosotros sabemos cual es la densidad de la pintura que deseamos y, si necesitamos más o menos brillo. Al utilizar colores en tubo ganamos en comodidad, pero perdemos control sobre los materiales que utilizamos.
La bibliografía que utilizo es esta: “los materiales de pintura y su empleo en el arte” Max Doerner.
“Materiales y técnicas del arte” Ralph Mayer.

lunes, 27 de junio de 2011

COLOR AZUL

Fernando Puente. Naturaleza muerta con dos personajes.

Es curioso que el planeta Tierra, visto desde el espacio exterior aparezca como un planeta azul, y sin embargo, proporcione tintes y pigmentos de ese color en muy poca cantidad.
Hasta la invención de los colores de síntesis, solo existían algunos pigmentos y muy pocas plantas capaces de proporcionarlo.
Los ocres y tierras coloreadas amarillas, rojas y marrones abundan y pueden prepararse fácilmente, pero los dos principales pigmentos azules proporcionados por la naturaleza, la azurita y el lapislázuli, son más escasos y deben ser molidos con mucha más insistencia.
Los principales yacimientos de lapislázuli se encuentran en Afganistán. La India lo exportaba por medio de caravanas, pero la distancia y la escased lo encarecían. En la Edad Media, los venecianos importaban el lapislázuli a occidente, recibiendo el nombre de azul “ultramarino”. Otro pigmento mineral es la azurita cuyos principales yacimientos se encuentran en Chipre, Armenia, Francia, Italia y Alemania.
El índigo es un colorante vegetal usado sobre todo en tintar telas.

Fernando Puente. Paisaje industrial.

Ante el problema de la poca cantidad de pigmento azul que da la naturaleza, el ser humano sintió la necesidad de crearlo. Hacia el 2500  A.C. los egipcios crearon el pigmento sintético más antiguo. Se fabricaba pulverizando un vidrio cocido con virutas de cobre. El azul egipcio se exportó a Roma en la época imperial.
A principios del siglo XVIII se sintetizó el azul de Prusia, y un poco más tarde se averiguó la forma de fabricar artificialmente el lapislázuli. En la actualidad la industria química surte con eficacia toda la variedad de pigmentos necesarios para las Artes Plásticas. Quizá por la precariedad de algunos pigmentos como el azul, en la imaginería medieval occidental, los mares son verdes, y no será hasta el siglo XV, donde por regla general se represente el mar de color azul.