George Bellows

Dempsey and Firpo 1924

Club Night

En la segunda mitad del siglo pasado se consolidaron expresiones artísticas distintas a la pintura, performances, videoarte, instalaciones, etc. Al mismo tiempo surgieron grandes pintores figurativos, en el blog he dedicado algún espacio a Balthus, Hopper...

A pesar de que en la actualidad, la pintura queda relegada a una representación marginal en los museos y numerosas salas de exposiciones, a contracorriente, seguimos trabajando pintores que, lejos de creer que la pintura figurativa ha muerto o, pasado de moda, pensamos que dibujar es una pulsión que acompaña al ser humano desde el Neolítico.

The Lone Tenement

La representación de la realidad y su transformación por el pensamiento humano, está por encima de conceptos como "antiguo, moderno, arte del presente, o arte casposo".

Hace pocos días leí la noticia de que la National Gallery of Art prepara una exposición retrospectiva de George Bellows para el próximo año, es decir, el 2012.

Blasted Tree and Deserted House

Me alegró la noticia porque me gusta su pintura, y por la ocasión de que se ocupen los médios informativos de pintores que no merecen ser olvidados.

Bellows nació en 1882 y falleció en 1925. Estudió en la New York School of Art (al igual que Hopper) y pronto comenzó a tener éxito con sus pinturas sobre temas urbanos. También realizó numerosos retratos, pero a mí lo que mas me atrae de su obra son sus  pinturas sobre el boxeo, quizá porque es un tema que me sorprende y demuestra que todos los aspectos de la vida humana son susceptibles de ser tratados por el arte.

A Knockout, litografia

Su interés por los temas sociales le llevó a asociarse con un grupo de pintores anarquistas llamados "The Lyrical Left". Estuvo a favor de la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y reflejó los horrores de la guerra en un buen número de litografías.

George Bellows murió de apendicitis a los cuarenta y tres años.

Evening Swell

Después de la National Gallery of Art, la muestra se trasladará a Metropolitan Museum of Art de Nueva York y la Royal Academy of Arts de Londres

De su interés por el retrato nos da buena muestra la pintura "una abuela", pintada en tabla y realizada en 1914 y que podemos disfrutar de ella en el museo Thyssen.

Una abuela

Durante el año 2012 con ocasión de la muestra retrospectiva, seguro que tendremos referencias de este pintor que merece la pena que conozcamos.

Edward Hopper

Autorretrato.

Hopper fue uno de los pintores que mejor retrató la vida norteamericana del siglo XX, sobre todo, el aislamiento del ser humano frente al progreso y expansión de la gran potencia americana.

Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, una pequeña ciudad del estado de Nueva York a orillas del río Hudson.

Estudió ilustración, primero en la Correspondence School of Ilustrating de Nueva York y más tarde en la New York School of Art, donde permanecería seis años.  Allí conocería a otros futuros pintores, como George Bellows, quien seria famoso por sus pinturas sobre el boxeo.

Habitación junto al mar.

Cuando terminó sus estudios, comenzó sus carrera como ilustrador en la C.C. Phillip & Company, una agencia publicitaria de Nueva York. En 1906 decidió ir a París. No asistió a ninguna escuela. Experimentó de forma autónoma, visitando museos y pintando al aire libre. Por entonces París vivía una intensa actividad cultural. Durante el verano de 1907 viajó por Europa, pero no visitó Italia, no perteneció a ningún círculo artístico ni recibió influencias de los movimientos artísticos del momento, como el fauvismo, cubismo o el futurismo.

Gasolinera

El  regreso a Estados Unidos le produjo una conmoción, la realidad americana le produjo una crisis que provocó la realización de unas pinturas influenciadas por el arte francés.

Su actividad como ilustrador duró hasta 1924, cuando económicamente era posible dedicarse únicamente a pintar.

American Landscape. Aguafuerte

Comenzó a realizar aguafuertes en el año 1915. Realizó casi 70 grabados entre 1915 y 1923 y fue muy exigente con los materiales, apreciaba la blancura del papel “Umbría”, de Italia, y recibía la tinta  negra de Kimber,  Londres, que era del color negro más intenso que encontró.

Night shadows, aguafuerte.

Durante los años en que se dedicó a la ilustración, no dejó de pintar, aunque sus obras fueron rechazadas por los organizadores de todas las exposiciones importantes.

En 1923 una joven pintora, Josephine Verstille Nivison, convenció a Hopper para que presentara algunas acuarelas para una exposición  que se iba a celebrar en el Brooklyn Museum, tras el examen de sus obras por los directores del museo, fueron aceptadas  seis acuarelas para la exposición. Hopper conoció el éxito a los 41 años.

Noctámbulos

Al año siguiente, el Brooklyn Museum le compró un cuadro, el Tejado mansarda, en julio se casó con Josephine Verstille Nivinson  y en noviembre organizó una exposición de acuarelas en Nueva York, vendiendo un buen número de ellas. Hopper abandonó la ilustración para dedicarse completamente a pintar.

The lighthouse at two lights

Siempre sintió cierto dolor hacia este reconocimiento tardío, años más tarde declararía: “El reconocimiento no significa gran cosa, nunca llega cuando lo necesitas”.

Approaching a city.

En 1933 se celebró en el Museum of Modern Art la primera exposición retrospectiva de Hopper.

Desde su muerte, en 1967, el Whitney Museum, al que Josephine legó la colección de pinturas de ambos, ha realizado varias exposiciones retrospectivas.



COMPRAR OBRA GRÁFICA

Bodegón con manzanilla. Aguafuerte, Fernando Puente

El grabado, al  ser seriado (con un número determinado de estampas que están firmadas y numeradas),  permite al aficionado del arte a adquirir obras a un coste relativamente bajo.

El camino. Xilografía. Fernando Puente

Es interesante que sepamos algo del autor, conocer algo sobre su biografía, exposiciones, etc.

Para ello, Internet nos ofrece una gran ayuda. Además de información sobre los artistas que se dedican a esta expresión artística, podemos incluso adquirir la obra a los propios autores.

Por  esa razón, he incluido en mi página web un apartado de venta online de obra gráfica: http://www.fernandopuente.com/

El bosque, carpeta con tres aguafuertes. Fernando Puente.

BALTHUS

El estudio de Balthus

Dos aspectos admiro de Balthus, su pintura, que recuperando ideas compositivas y de forma de pintores como Giotto o Piero Della Francesca, sin embargo pertenece a la modernidad. El otro aspecto es su postura ante el mundo, mientras artistas como Picasso destruían la forma, él iba a contracorriente.

Katia leyendo. Balthus

Balthus es el seudónimo de Balthasar Klossovski. Nació en Paris el 29 de febrero de 1908 y murió el 18 de febrero de 2001.

Se confesaba autodidacta. Aprendió a pintar haciendo copias en el Louvre, sobre todo de Poussin, al que consideró su primer maestro. Declaró en cierta ocasión que los pintores del quattrocento (Masolini, Massaccio) le enseñaron todo lo relativo a la composición.

El padre de Balthus  era también pintor e historiador de arte. Por el domicilio de la  familia pasaban pensadores y artistas. En cierta ocasión Bonnard, aconsejándole sobre la preparación de su hijo le sugirió: "sobre todo, no le enviéis a una escuela de pintura".

Su madre, Baladine, también era pintora. Los padres de Balthus se separaron en 1917.  A  partir de 1919 Baladine mantendrá una relación con el poeta Rainer Maria Rilke, que durará hasta la muerte de Rilke, en 1926.

Balthus tuvo como referente a Rilke durante toda su vida.

La montaña. Balthus.

La figura humana, los paisajes y las naturalezas muertas serán sus grandes temas, declaró: "mi pintura se sitúa la la vez en el imaginario y en lo real. Mis personajes, mis paisajes o mis naturalezas muertas se baten por conseguir la ficción, que es su libertad, por desaparecer en el realismo, que es su necesidad".

Gato con espejo III. Balthus

En 1961 es nombrado por André Malraux, director de la Academia de Francia en Roma, cargo que conservó hasta 1977.

Durante el periodo romano conoce a Setsuko Ideta, su segunda mujer, con la que tendrá a su hija Harumi.

Dibujo. Balthus

Su amor por el oficio de pintor pudo resultar anacrónico si lo comparamos con sus coetáneos. En el año 2000, un año  antes de u muerte dejó escrito: “ El estudio es el lugar de trabajo, y también de la fatiga. El lugar del oficio. En mi actividad es esencial. Es allí donde me recojo, como en un lugar de iluminación…  los pigmentos mezclados por Setsuko, el frotar del pincel sobre el lienzo, todo es reabsorbido por el silencio.”

Balthus en el estudio

La partida de cartas. Balthus.

Balthus es uno de mis referentes, a pesar de que la obra que se encuentra de él en España es escasa, cuando voy al Museo Thyssen no dejo de contemplar “la partida de cartas”.



MEDARDO ROSSO

Medardo Rosso. Niño enfermo



Cuando visito el Museo Reina Sofía, mis pasos se dirigen a las salas donde se alojan los iniciadores del arte contemporáneo y las primeras vanguardias. Me parece un arte mucho más seductor que el que está de "rabiosa actualidad". Por una parte, la pintura casi ha desaparecido de las manifestaciones artísticas de las últimas décadas, y el modelado ha huido de la expresión escultórica. No es extraño si tenemos en cuenta que los museos no los dirigen artistas, sino teóricos. Es mucho más común encontrar en el patronato de un museo a un  doctor en filosofía que a un pintor.

Pero volviendo a lo que aquí me ocupa, es decir, el trabajo de Medardo  Rosso, la calidez, la expresividad y la emoción que producen sus obras, contrasta con lo que seleccionan los responsables de exposiciones de arte contemporáneo.

Medardo Rosso. Niña riendo.

El italiano Medardo Rosso (1858 - 1928) se situó entre el impresionismo y el simbolismo. Tras instalarse en París, participó en el debate sobre la relación entre Impresionismo y escultura.

Con la obra Ecce puer de 1906 el interés de Medardo no parece dirigirse a representar una imagen transitoria, como a expresar una idea,  una aspiración moral, llegando a una interpretación en clave simbolista.

El Museo Reina Sofia nos ofrece dos obras de Medardo Rosso, de bellísima factura y de un material con el que Medardo se sentía muy cómodo, cera y escayola. Las dos piezas están realizadas con el mismo material, cera sobre escayola.

Existen varias calidades en la cera de modelar, diferenciándose tanto en la dureza, textura como el color. De ahí la diferencia cromática de las dos obras: “niño enfermo” y “niña riendo”.

¡Oh, este viejo y roto violín! León Felipe

¡Oh, este viejo y roto violín!, paráfrasis de León Felipe. Aguafuerte.

¡Oh, este viejo y roto violín! Fue el último libro que publicó en vida León Felipe. Este aguafuerte lo realicé tras la lectura del  libro. Por  entonces hacía poco tiempo que compré un violín y el título llamó mi atención.

Un poema me pareció especialmente conmovedor, en él  nos muestra su biografía. Se llama "Escuela".

León Felipe ( 1884 – 1968 ) nació en una familia acomodada. Hijo de un notario, se licenció en farmacia, pero su espíritu bohemio le llevó a pasar penalidades. Estuvo en la cárcel por desfalco.

En Santander abandonó una farmacia propia y se enroló en una compañía teatral ambulante. Fue reconocido, denunciado y condenado por las deudas de su negocio. También estuvo en Guinea Ecuatorial, por entonces colonia española.

“Viajé en la bodega de los barcos;

Les oí contar sus aventuras a los marineros

Y su historia de hambre a los miserables emigrantes.

He dormido muchas noches, años, en el África central,

Allá, en el Golfo de Guinea, en la desembocadura del Muni,

Acordando el latido de mi sangre

Con el golpe seco, monótono y tenaz

Del tambor prehistórico africano

De tribus indomables…”

 En el poema nos evoca sus desoladoras experiencias:

“Vi parir a una mujer

Y vi parir a una gata…

Y parió mejor la gata;

Vi morir a un asno

Y vi morir a un capitán…

Y el asno murió mejor que el capitán”

Su vida como indigente:

“He dormido sobre el estiércol de las cuadras,

En los bancos municipales,

He recostado mi cabeza en la soga de los mendigos,

Y me ha dado limosna –Dios se lo pague-

Una prostituta callejera.

Si recordase  su nombre lo dejaría escrito aquí orgullosamente

En este mismo verso endecasílabo.”

Y sus tentativas de suicidio:

“Otra vez,

Desesperado,

Quise escaparme por la puerta maldita y condenada

Y mi ángel de la guardia me tomó de los hombros

Y me dijo severo: no es hora todavía…”

Su poesía me sigue emocionando igual que en la primera lectura. Solo me queda recomendar sus poemas y despedirme con unos versos del libro “ Ganarás la luz”

“Yo no soy nadie.

Un hombre con un grito de estopa en la garganta

Y una gota de asfalto en la retina.”